#86

Rael lança novo álbum no Circo Voador 

Em entrevista ao Ctrl+Alt+RIO, o rapper paulistano fala sobre o lançamento do segundo álbum solo e o esperado show no Circo, que ocorre neste sábado (10/08). É na The Groov!!! 

Com mais de dez anos de rap e um novo trabalho de peso na bagagem, o paulistano Israel dos Reis - o Rael, ex-da Rima - desembarca em terras cariocas neste sábado para realizar seu primeiro e esperado show no Circo Voador, o qual marca o lançamento de seu segundo álbum autoral solo, o elogiado “Ainda Bem Que Eu Segui as Batidas do Meu Coração”, e aparece como a principal atração da festa The Groov, que, voltada à multiplicidade da música negra, também apresentará os DJs Saraiva e Ambassodors (com Luana Karoo), além da cantora baiana Larissa Luz. Lançado de maneira independente pelo Laboratório Fantasma - o selo do Emicida - e com produção assinada pelos americanos Beatnick & K Salaam, o disco em questão chega para legitimar de vez a caminhada do rapper e, inclusive, o situar entre os expoentes da nova e sua geração – como os amigos de batalha Criolo e Emicida. Embora esses itens não cheguem a ser prioridades, mas consequência de uma caminhada feita com verdade e "devagarinho", Rael sabe que sua hora chegou e, até por isso, optou por se desprender do vulgo “da Rima” para melhor correr e soltar a voz, literalmente. Se o primeiro é inesquecível, imagina no Circo... é chegar e conferir de perto.

“Eu acho que o ‘da Rima’ passava uma falsa impressão de que sou um baita rimador, quando tem gente rimando muito mais do que eu por aí. Isso se reflete bem no segundo disco, no qual eu venho cantando mais. Às vezes, em programas de rádio e TV, também me pediam para fazer um freestyle, o que não é a minha praia. Ser só Rael acho que me liberta um pouco mais nesse sentido”, justifica o artista, que, no entanto, faz questão de explicar que essa mudança não possui ligação com uma suposta troca de estilo. O fato é que se o anterior “MP3 – Música Popular do 3º Mundo”, produzido sozinho e lançado em 2010, já era marcado por uma rica mistura de ritmos, esse novo se supera em melodias e vai além. “Eu sempre flertei com outros gêneros, sempre agreguei outros estilos ao rap. Eu amo o rap, estou pelo rap sempre, até o fim, mas isso não me impede de beber em outras fontes, né?”, indaga Rael, que completa: “Isso resume o que sou. Sempre ouvi outras coisas em casa, influenciado pelo gosto dos meus pais: Luiz Gonzaga, Jackson do Pandeiro e Agepê. Minha música reflete minha verdade, que é essa de várias influências”.

Para o rapper paulistano, independente desta ser a nova cara do rap ou não, os artistas estão mais dispostos a experimentar, por conta do “bombardeio” de informações vindo de todos os lados e também pela facilidade em descobrir coisas novas. “Eu busco mostrar que o rap também é música, também pode, merece e deve ser respeitado como música brasileira”, explica Rael, que, para dar vida ao segundo trabalho solo, foi desde o afrobeat de Fela Kuti até o pagode do Sensação, mas sem deixar de ser rap. Além da curiosa mistura sonora defendida, o rapper, tido como um dos artífices da fusão do gênero com o reggae, também conta com consideráveis participações, caso do próprio Emicida, Mariana Aydar, Paulo M.Sário e MC Periclão, como ele mesmo convoca o Péricles (do Exaltasamba) na clássica faixa Oya. “Eu sou fã de samba e sempre fui. Desde o início pensei em usar alguma regravação de samba no disco. O Emicida é um parceiro constante, mas sempre fizemos coisas nos trabalhos dele. Quando o Péricles aceitou nosso convite e superamos a burocracia para conseguir a liberação para gravar a música, eu queria que nossa versão fosse especial, que tivesse uma rima. Sabia que o Emicida ficaria à vontade ali”.

Uma das cinco pontas do reconhecido grupo Pentágono, com quem lançou três discos, Rael se afastou do quinteto no último ano para se dedicar à caminhada solo e, com a confiança adquirida no álbum de estreia, fez por merecer o que muitos que como ele - vindo do Jardim Iporanga, às margens da represa Guarapiranga da zona sul paulistana - não conseguem obter: suporte e estrutura. Aí, foi só ouvir as batidas de seu coração... “No primeiro disco fiz tudo sozinho, não saiu pelo Laboratório. Desta vez, eu tive muito mais estrutura para trabalhar em todos os sentidos, do estúdio até a questão da burocracia mesmo, que, por sinal, é importantíssima. Também foi muito bom poder trocar impressões com o Emicida sobre o que eu estava fazendo”, revela Rael, que completa: “Faz bastante diferença ter alguém lapidando, melhorando suas ideias ou, até mesmo, dizendo que elas não são boas. Pensar de forma coletiva ajuda muito, deixa a gente mais livre e mais leve para o trabalho como um todo”. O álbum da vez se encontra à venda e disponível para download, mas, na real, o bom mesmo é o show. “Eu já toquei no Circo, mas nunca com um show meu. Eu gosto muito de tocar no Rio e essa vai ser a primeira vez com minha banda. O público é um dos que mais pede show, interage comigo nas redes sociais e parece ter curtido o disco... Eu estou muito animado e tenho certeza de que o baile vai ser f*”, finaliza.

Circo Voador – The Groov

Rua dos Arcos, s/n. Lapa.

Ingressos: De R$ 30 a R$ 80.

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#85

Contemporâneo: em exposição à memoria

Sob curadoria de Leo Sales, a mostra “Caminho Velho Novo Caminho” reúne nove artistas no hostel recém-inaugurado em Botafogo. Vai ter show do Airá com violoncelistas e tudo mais...

Com uma proposta ligada à própria história do Contemporâneo, um hostel projetado pelo artista plástico e arquiteto Alessandro Sartore em um casarão de 1904 situado em Botafogo, o artista carioca Leo Sales volta a ocupar o local a partir desta sexta-feira (09/08) com a exposição “Caminho Velho: Novo Caminho”. Diferente da ocasião anterior, quando apresentou a sua segunda individual na galeria do espaço - a Wall - , Leo reúne agora uma verdadeira seleção de artistas para ocupar todo o prédio. “Em maio deste ano, eu fiz uma exposição individual lá e surgiu o convite para assumir a curadoria do espaço. Elizabeth Agra, dona do hostel, me convidou com a proposta de convidar jovens artistas, que, assim como eu, vieram da escola de artes da UERJ e do Parque Lage. Então, no encerramento da minha 'expo', fizemos um happening no qual cada um dos nove artistas fizeram uma performance do tipo ‘open studio’”, revela Leo ao falar sobre a ideia inicial da exposição, que, por sinal, traz trabalhos de André Coutinho, Castor de Assunção, Ingrid Bittar, Leandra Lambert, Luiz Rocha, Tahian Bhering, Thaís Basílio, Thiago Antonio e Renan Monteiro.

De acordo com Leo Sales, que, além da dedicação plena às arte visuais, também é formado em jornalismo, os artistas tiveram bastante liberdade para trabalhar, tendo em vista que todos foram selecionados a partir de indicações e da própria proximidade com o curador. “Nós não partimos de um tema e pedimos (simplesmente) para os artistas criarem. A partir de sucessivas reuniões chegamos à conclusão que a memória poderia ser um dos caminhos que indicavam a compreensão dos trabalhos dos artistas. Então resolvemos fazer algo que dialogasse com o passado, com a história de botafogo e a história do hostel, que já foi um casarão do século XIX”, aponta Leo, que, apesar de reconhecer que não houve convocatórias para esta exposição, faz questão de exaltar que essa possibilidade não estará descartadas para as próximas mostras do local. Ou seja, a Galeria Wall do Contemporâneo Hostel continuará aberta para receber as jovens promessas da cena carioca. “Provavelmente, essa parceria deverá continuar, sempre com o foco em dar oportunidades para novos talentos mostrarem seus trabalhos em artes visuais”, completa.

Embora a memória apareça como um universo comum a todas as obras, a ideia da exposição é justamente extrapolar os padrões e, inclusive, quebrar as barreiras do espaço expositivo. Neste caso, ao contrário de estabelecer certa limitação, o conceito criado em torno da proposta de cada artista aparece como um desafio capaz de estimular ainda mais os nomes envolvidos. “Queremos ocupar todo o espaço do hostel com desenhos, pinturas, vídeos, instalações, colagens, etc. Então, vai ter obra nos quartos, nos banheiros, nos corredores e etc... A produção é bem diversificada. Vão desde as pinturas eróticas em tela do Luiz Rocha até as colagens intimistas da Britta (Ingrid Bittar), passando pelas correspondências afetivas de Thais Basilio e pelas pinturas urbanas em móveis antigos de André Coutinho”, explica Leo Sales. Para completar, na noite de abertura, violoncelistas noruegueses farão uma performance instrumental com releitura de músicas pop ao lado do MC grafiteiro Aira' Ocrespo. A apresentação em questão integra o calendário da 19º edição do festival Rio International Cello Encounter e possui curadoria de Carolina Chew, enquanto a festa, que rola na sequência, fica por conta do DJ Sean Diss. O casarão ficará pequeno, mas ninguém vai querer ficar de fora.

Hostel Contemporâneo

Rua Bambina, 158. Botafogo.
A partir de 09/08.

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#84

Rafael Uzai: Arte à vista!!!

Intitulada "Navegando em Terra Firme", a primeira e esperada individual do artista carioca será aberta ao público a partir deste sábado (03/08) na galeria Homegrown. É só chegar...   

"Explorar tudo que existe dentro da atmosfera do planeta e usufruir de forma equilibrada os bens que a natureza nos proporcionou". É com essas palavras que o artista carioca Rafael Uzai nos resume o significado de “Navegando em Terra Firme”, expressão que se remete a fusão entre os elementos e dá nome a sua primeira e esperada individual, em cartaz a partir deste sábado (03/08) na loja-galeria Homegrown. Usando a madeira como principal matéria para dar forma a essa "viagem" e tendo o mar, as montanhas recheadas de arvores e o próprio Rio como inspiração, Rafa mergulha céu adentro para nos apresentar um trabalho sólido e, ao mesmo tempo, surpreendente, cujo objetivo das imagens é enfatizar a simplicidade e o rústico dentro disso tudo, enquanto a riqueza, neste caso, parece estar mais ligada à leveza de espirito... Se navegar é preciso, apareça lá para conferir!!!

Apesar de ter iniciado sua trajetória no universo artístico com o graffiti ainda aos 14 anos – até por influência do irmão mais velho, o também artista Léo Uzai -, Rafael não teve pressa em trabalhar em cima de sua primeira exposição, ao contrário, preferiu ter calma e deixar as coisas fluírem naturalmente. “Acredito que as coisas acontecem na hora em que devem acontecer. O convite chegou em uma hora em que a minha linha de trabalho se mostra bem definida”, aponta o artista, que também adianta o que pretende mostrar ao público em sua primeira individual: “Apresentarei coisas simples. Até então, não pintei nenhuma tela e não sei se as canvas vão aparecer dessa vez. Optei por usar mais papel e madeira”. No dia da inauguração da mostra, Rafa também apresentará os modelos de óculos assinados com o pessoal da Zerezes. “Serão 10 unidades numeradas e ainda não vi como ficou, mas acho que vai ficar bacana”, completa.

Em relação à influência adquirida pelo trabalho desenvolvido pelo irmão, que, por sinal, arrancou muitos elogios com sua exposição na mesma Homegrown, Rafael se mostra convicto, mas, por outro lado, não deixa de exaltar as singularidades em questão.  “Meu irmão me influenciou desde cedo pela troca que sempre tivemos, troca de informação e gostos. Nosso estilo é bem diferente na hora de pintar. Eu falo pastel, e ele fala fluor”, brinca o artista. Embora cada um tenha um estilo bem próprio, uma exposição em conjunto não é descartada – uma Uzais, por exemplo. Já pintamos alguns painéis na rua, entre outros trabalhos. Essa ideia de expor juntos vai vir em alguma hora sim, já conversamos sobre isso mais de uma vez”, conclui o artista.

Navegando em Terra Firme
Rua: Maria Quitéria, 68. Ipanema.
De sábado (03/08) até 24/08.
Abertura: das 18h às 22h. .

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The Cat Empire: na selva do Circo 

Os cariocas empolgados do Queremos aprontaram mais uma e, desta vez, para trazer a The Cat Empire, que se apresenta nesta sexta-feira (02/08) no Circo Voador e, no sábado, no Cine Joia em São Paulo – os dois primeiros show da turnê mundial. Formada durante um festival de jazz em Melbourne ainda no ano de 1999, a banda australiana, tempos mais tarde, transcendeu os limites da Oceania e ganhou o mundo com uma inusitada mistura de jazz, folk, ska, rock, reggae e música latina, como se a Austrália fosse uma eufórica ilha caribenha – um fato para lá de curioso e, inclusive, difícil de ser imaginado. Só conferindo de perto mesmo para entender essa verdadeira viagem sonora pelo império dos gatos, que, por sinal, se situa em um reino para lá de selvático.

Embora tenha sido formada em 99, a banda australiana tomou o mundo somente em 2005, após o lançamento do segundo álbum, “Two Shoes”, que foi gravado em Havana e traz hits como: "Sly", "The Night That Never Ends" e a faixa secreta "1001". No entanto, o show no Rio deve se centrar mesmo no repertório do recente “Steal the Light”, o sexto álbum da banda, lançado no último mês de maio. Como diferencial, o disco recém-lançado explora mais as influências étnicas baseadas nos elementos da terra e da selva, tendo em vista que a capa do mesmo (foto abaixo) traz uma arte bem foda de Graeme Base (da Animalia Fame). 

Entre um baixo de cordas pulsantes, notas estridentes e um ritmo para lá de extasiante, o álbum em questão, que mantém o foco no espírito lírico de liberdade e diversão, também evidencia toda maturidade musical alcançada por Felix Riebl (vocal e percussão), Harry James Angus (trompete), Will Hull-Brown (bateria), Jamshid "Jumps" Khadiwhala (decks, percussão), Ollie McGill (teclado) e  Ryan Monro (baixo), além do duo Empire Horns, composto por Ross Irwin (trompete) e Kieran Conrau (trombone), que sempre costuma acompanhar a banda. Trata-se de um baile na floresta imaginária dos Cat Em_pire, com direito a menção ao carnaval do Rio e tudo mais.

The Cat Empire – Circo Voador
Rua dos Arcos, s/n. Lapa.
Ingresso: R$ 80 (meia)

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Atenção crianças: o Anima Mundi chegou!!! 

Há exatos 20 anos, quando o cinema de animação no país era reduzido a quase nada e, ao contrário de hoje, não contava com nenhum incentivo, os diretores Aída Queiroz, Cesar Coelho, Lea Zagury e Marcos Magalhães desafiaram esse panorama negativo para dar forma ao Anima Mundi, na época apenas uma pequena mostra de animação realizada em uma sala com pouco mais de noventa lugares, porém, já dona de uma causa bem maior. Agora, em sua 21 edição e sob o rótulo de maior das Américas - com público médio de 100 mil pessoas e mais de 400 filmes por edição, o festival volta a animar os cariocas em uma nova sede: a Fundição Progresso, que, desta sexta-feira (02) até o dia 11 de agosto, abre suas portas aos mais interessados em desvendar esse verdadeiro universo paralelo. É para todo mundo!!!

Para dar vazão a sua crescente demanda e acomodar melhor os visitantes, o festival optou por ocupar os quase sete mil metros quadrados da Fundição, que, por sua vez, terá sua estrutura totalmente adaptada para receber um cinema com 800 lugares e outras duas salas de projeção, as quais receberão as mostras e os encontros com alguns dos mais renomados profissionais da área - nas sessões do Estúdio Aberto, do Papo Animado, do Anima Fórum e das Master Classes. Além disso, a Fundição também acomodará um grande espaço de convivência, onde serão realizadas as oficinas de técnicas como stop-motion (massinha), desenho animado (2D), zootrópio, pixilation e areia, ou seja, onde a criançada vai a loucura (independente da idade). 

Entre os convidados dessa 21ª edição, estão as animadoras canadenses Wendy Tilby e Amanda Forbis, indicadas ao Oscar em 2012 pelo curta “Wild Life”; o irlandês David OReilly, dono de uma irônica crítica à contemporaneidade, e o artista conceitual e ilustrador americano Andrew Probert. O time em questão é completo pela portuguesa Regina Pessoa, de “História Trágica com Final Feliz”, e o americano Chris Wedge, diretor de filmes como “A Era do Gelo” e “Bunny”, curta premiado com Oscar em 1999. Fazendo o caminho inverso, o brasileiro Ennio Torresan também aparece para falar de seu trabalho nos estúdios da DreamWorks, onde participou da criação de “Madagascar” e “Kung Fu Panda”.

Como se não bastasse as atividades previstas para ocorrer no imenso casarão azul da Fundição Progresso, o festival, reunindo mais de 510 obras (13 longas) de 53 países diferentes, entre as mais de 1.300 enviadas para seleção, também levará atividades para outros pontos da cidade maravilhosa, como o Cine Odeon, que recebe parte de sua programação, e os centros culturais Oi Futuro Ipanema e Flamengo, que também caem na animação abrigando tanto oficinas quanto filmes. Aliando a identidade visual do animador argentino Juan Pablo Zaramella com os trabalhos do cenógrafo Sergio Marimba, o Anima Mundi 2013 chega para nos trazer novidades e firmar que, antes de tudo, animar é preciso. Seja bem-vindo ao mágico e comprometido mundo da animação. 

Oscar – Comprovando o prestígio do festival no mercado cinematográfico internacional, o Anima Mundi será, pelo segundo ano, autorizado pela Academia de Artes e Ciências Cinematográficas americana a qualificar um filme para o Oscar de Melhor Curta-Metragem de Animação. Ou seja, o curta premiado como Melhor Filme, pelo Júri Profissional, poderá concorrer ao mais celebrado prêmio do Cinema Mundial. Já no primeiro ano da qualificação, ‘Head Over Heels’, vencedor do Anima Mundi 2012, esteve na lista de concorrentes da última edição do prêmio hollywoodiano.

Sessões Infantis – Pela primeira vez, o festival terá as sessões infantis divididas em duas categorias: para crianças menores de 8 anos (com dublagem feita especialmente para o Anima Mundi) e para maiores de 8 anos (legendadas).

Olho Neles –A sessão não-competitiva ‘Olho Neles’ terá dois programas de curtas que representam novas tendências da animação nacional. A ideia é incentivar ainda mais o talento do profissional brasileiro.

Angry Birds – Peter Vesterbacka, criador da franquia ‘Angry Birds’ e de mais de 50 outros jogos eletrônicos, dará uma palestra no festival sobre o fenômeno no dia 4 de agosto.

Prêmio BNDES – Pela primeira vez, o BNDES dará um prêmio para a Melhor Animação Brasileira, no valor de R$ 10 mil. O filme será escolhido pelo público em todas as sessões do festival no Rio de Janeiro e em São Paulo.

Mostras Especiais – Entre as mostras especiais que complementam a programação, há um panorama de animação polonesa, com três programas de filmes produzidos no país nas últimas cinco décadas, e também uma retrospectiva da polêmica dupla Spike & Mike. Outro programa de curtas será dedicado à associação francesa Rencontres Audiovisuelles, que contará com uma palestra do fundador Antoine Manier.

Mais informações sobre programação e endereços.

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Multigrab Expo: mais shapes em nova edição 

Apresentando um verdadeiro panorama da cena artística carioca em shapes de skate, a já conhecida “Multigrab Expo Shapes” volta a ocupar o Galpão das Artes Urbanas da Comlurb a partir desta quinta-feira (01/08) para dar vida a sua quinta edição e, de quebra, manter firme um de seus principais propósitos: exaltar a relação entre arte e esporte. Embora as tábuas possam parecer um tanto quanto limitadas como suporte, as obras, no mínimo, surpreendem e vão além, ladeira abaixo na mente inquieta de cada convidado – mais de 30, por sinal. No fim, só acompanhando de perto mesmo para não desacreditar... o projeto é coisa linda de se ver.

Nesta nova edição, a exposição, que será aberta ao público na sexta (02) e seguirá em cartaz até o dia 13 de setembro, também será acompanhada de uma grande novidade: o chamado Best Trick Multigrab Expo Shapes 2013, um campeonato de skate para jovens e adultos, mas que também trará diversas atividades para galerinha mais nova, o qual acontece já neste próximo sábado (03). A ideia do campeonato surgiu através de uma parceria com a MHS Skateboarding, empresa pioneira na fabricação de pistas e na disseminação da cultura do skate no Rio, que, por sua vez, também apresentará uma exposição fotográfica em paralelo para ilustrar parte dessa trajetória.

Até por ser montada no Galpão das Artes Urbanas da Comlurb, a Multigrab Expo Shapes, além do graffiti e do skate, também se preocupa em exaltar outro importante item: a sustentabilidade, tendo em vista que todos os shapes usados - produzidos exclusivamente pela El Phante Skateboards, marca carioca que se destaca por seus modelos clássicos e pela fabricação diferenciada – são feitos com madeira reutilizada. Para completar, assim como em suas edições anteriores, o projeto idealizado por João Bives Burle e Luis Otávio Madruga, com produção de Bruno “Big” Carneiro, também assumirá a revitalização do muro do túnel Rafael Mascarenhas, que ganhará novos trabalhos dos artistas envolvidos no evento – uma verdadeira nata da cena carioca.

Os artistas escalados para esta edição são: Acme, Afa, Alander, Akuma, Anarkia, Big, Bives, Bobi, Clarissa Pivetta, Combone, Di Couto, Duim, Felipe Bardi, Felipe Diniz, Fernando De La Rocque, Gais, Guga Ferraz, Idolno, Jou, JP Batista, Lelo, Henrique Madeira, Maíra Botelho, Ment, Mga, Nina M., Nicolau Mello, Pakato, Rasta, Rodrigo Calixto e Swk.

Galpão das Artes Urbanas da Comlurb

Rua Padre Leonel Franca, s/nº, na Gávea

Abertura: 25/07, a partir das 19h.

Visitação: de segunda a sexta-feira, das 9h às 17h.

Até 13/09. Entrada Gratuita

Campeonato: Sábado (03/08), das 10h às 16h.

https://www.facebook.com/events/607336215972658/?fref=ts

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#83

Rebobina: de volta aos clássicos

Criada a partir de uma conversa entre os agitadores Rafael Varela e Daniel Lobato com a produtora Diamond, a festa ocupa o 00 nesta sexta-feira com muita black music e vertentes. 

A partir de uma conversa despretensiosa  um clássico ponto de partida para inúmeras realizações de sucesso, os amigos Rafael Varela e Daniel Lobato tiveram a ideia de fazer um evento de resgate de antigos projetos que já não existiam, mas que fizeram sucesso e deixaram saudades. No entanto, já ao lado do pessoal da produtora Diamond (da Black Sessions) e do produtor Gustavo Martins, os agitadores culturais resolveram descartar essa proposta - como sempre ocorre com as primeiras ideias, defende Rafael - para se aventurarem na vasta cena black music, misturando a essência inicial do olhar para trás com o agora. Assim nasceu a Rebobina, festa que, segundo o jovem produtor carioca, “vai desde o groove até ao hip hop, entre som antigo e hits contemporâneos, passando pela funk music, soul e R&B”. Para quem se interessou na receita, ainda tem mais, a festa será realizada no conceituado 00 e, o melhor, a primeira edição já ocorre nesta sexta-feira (26/07). Aos adoradores da cultura black music, Rebobina - Back to the classics!!!

“Através da proposta de apresentar um som antigo misturado com hits mais contemporâneos, criamos um projeto novo que não visa trabalhar somente com DJ’s conceituados na cena, mas também que seja capaz de funcionar como uma espécie de plataforma para novos talentos se apresentarem e ganharem o devido respeito na cena carioca”, aponta Rafael Varela, que, apesar da pouca idade, já traz grandes projetos no currículo, como o próprio Black Sessions, da Diamond, que trabalhou com as bandas Cacife Clandestino e Cone Crew em sua última edição, e as festas Epifania e Nasty, entre outros. No entanto, sem esconder a ansiedade em torno de sua nova e prazerosa correria, o produtor se mostra inteiramente focado na realização da Rebobina, que, como ele mesmo faz questão de ressaltar, vem para atender uma cena da black music mais focada em um som derivado das décadas de 70,80 e 90. É som dançante e pista quente, sem mistérios.

Perguntado sobre o que o público poderia esperar de diferente, Rafael, distante de possíveis pirotecnias, apresentou uma fórmula simples, mas que costuma funcionar: “Um evento novo, mas com uma boa bagagem por conta dos produtores que estão por trás. Um evento que vem da união de força com os DJ´s e da beleza da casa 00, na Gávea, junto ao público da zona sul”, aponta o produtor, que também detalha o time escolhido para a noite de estreia – Zuim, Saraiva (foto acima) e Saddam: “A seleção dos DJ`s foi feita exclusivamente pensando em um som diferente. Zuim, um nome mais conceitual, é residente da festa Love Sessions. Em seus sets, ele trabalha bastante com groove, nu disco e funk music e é isso que irá tocar. O Saraiva é um dos residentes da The Groov, outro evento de black que sempre traz inovações a cada edição. Já o Saddam, figurinha carimbada e há mais de 20 anos no mercado, está envolvido nos mais importantes projetos black da cidade. Escolha foi feita a dedo e com carinho para agradar o nosso público”, finaliza.

Rebobina – 00

Av. Padre Leonel Franca, 240. Gávea (ao lado do Planetário).

Entrada: de R$ 20 (lista, fem.) a R$ 30 (lista, masc.).

https://www.facebook.com/events/131767773701006/?fref=ts

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#82

Alô Dilma: é o Wark Rocinha!

Grafiteiro, professor e agente cultural, Marcos Rodrigo Neves - o Wark Rocinha - vira exemplo ao apresentar uma nova perspectiva aos jovens da comunidade. É instituto resistência e arte urbana!

Há pouco mais de um mês, no Complexo Esportivo da Rocinha, a presidente Dilma Rousseff deu o pontapé inicial do chamado PAC 2, programa no qual serão investidos R$ 2,6 bilhões em apenas três das inúmeras favelas cariocas (Jacarezinho, zona norte; Complexo do Lins, na zona oeste, e Rocinha, na zona sul). Notavelmente bem-humorada - ou seja, antes da onda de manifestações registrada no país -, a presidente falou que, com tal projeto, somente a Rocinha receberia R$ 1,6 bilhão em obras de macrodrenagem de esgoto e água, instalação de rede coletora de lixo, alargamento de ruas, construção de creches, 475 unidades habitacionais e, inclusive, um teleférico integrado ao metrô. Após um discurso presidencial de quase 30 minutos, o qual era seguido de perto pelo prefeito Eduardo Paes, pelo governador Sérgio Cabral e seu vice Luiz Fernando Pezão, uma reivindicação acabou quebrando o cronograma ao representar as demais relacionadas com o que o povo realmente queria - neste caso, ser ouvido poderia ser a primeira delas. A exigência em questão, que veio acompanhada de uma tela dada de presente, era simples, mas foi feita diretamente a Dilma: “uma galeria de arte”, reivindicou Wark Rocinha, o Marcos Rodrigo Neves, professor de graffiti e agente cultural propagador da arte urbana na comunidade. “Eu queria agradecer ao Wagner... Wagne da Rocinha... Vark, como é mesmo?”, disse na ocasião Dilma, que, embora não tenha conseguido entender ao certo a pronuncia do nome do artista “soprada” pelo público, pode ouvir muito bem a singela reivindicação. 

O que aparentemente pode ser muito fácil de ser solucionado é também a maior luta de Wark, um exemplo a ser seguido na comunidade onde nasceu e conseguiu crescer. Apaixonado pela arte de desenhar desde criança, o então Marcos, entre 2000 e 2001, resolveu se aventurar no universo paralelo do graffiti como “uma forma de mostrar suas ilustrações e pensamento para sociedade”, ou seja, de suprir a necessidade de falar e ser ouvido – o conceito de auto-inclusão encontrado por muitos através da técnica da tinta nos muros. Após espalhar seus personagens pela comunidade e por toda cidade - como o “Bolinha Palhaço” -, Wark passou a compartilhar esse poder transformador da arte e, de aluno da EAV Parque Lage a professor, deu início a uma luta para propagar a arte urbana dentro da comunidade e dar aos jovens o colorido de uma nova alternativa de futuro. “No graffiti ganhei alunos, amigos, viagens, reconhecimento e exemplo, tudo com força de vontade, dedicação e muita felicidade em poder repassar o aprendizado”, resume Wark, que se mostra ciente do exemplo servido aos jovens locais, mas, como todos os de verdade, prefere manter os pés no chão. “Acredito que sim (serve de exemplo), pois o graffiti através da arte traz inspiração para diversos pensamentos. Daí que surge a consequência da admiração. Também acredito que cada um pode fazer sua parte. Faço a minha através do graffiti ao resgatar jovens das comunidades para a arte, implantando cidadania e consciência”, completa o artista, que, desde o início, alia sua carreira ao projeto social.

Enquanto a verba do PAC não traz melhoras consistentes, assim como a suposta política de pacificação implantada na comunidade há quase dois anos, Wark vai riscando sua meta e, com um traço cada vez mais apurado, tocando uma de suas maiores conquistas ao longo dessa caminhada: o Instituto Wark, fundado em 2011 ao lado da (outra conquista) mulher Ale Lima. Mas, e a galeria? “Acredito que um dia teremos a galeria de arte da Rocinha. Luto muito para isso acontecer de fato e de diversas formas... Sabe, essa luta é coletiva junto com outros artistas da Rocinha. Eu sou apenas mais um que luta em prol dessa conquista”, rebate Wark, também criador e idealizador da Expo. Galeria Urbana da Rocinha. Desta forma, em paralelo à sua carreira, marcada pelos projetos “Imortalizar Expressões” (dedicado a imagens de figuras públicas), “Mulheres” e pela participação na Cow Parade (com a vaca Dona Rocinha), além de seus irreverentes personagens, o ativo artista mantém viva “a única escola de arte da comunidade”, atualmente situada na Estrada da Gávea, Travessa Escada, Loja 101. Sem contar com nenhum patrocínio de fato e bancando muita coisa com verba do seu “próprio bolso”, Wark e seus parcerias se desdobram para manter o instituto com a disponibilidade de vagas no limite e, como de costume, sempre cheio, fato que comprova a carência de atividades culturais na comunidade e a sobra de interesse. A tão sonhada galeria pode não ter chegado, mas o Instituto Wark é uma realidade e, ao contrário da verbas anunciadas pela presidente, já anda transformando a realidade dos jovens moradores da Rocinha. Para quem quiser conhecer, o espaço está aberto e, inclusive, para possíveis apoios. Salve Wark Rocinha!!!

Instituto Wark (21) 3324-3623
Estrada da Gávea, Travessa Escada, Loja 101.
Contatos: iwrocinha@gmail.com

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#81

Wilson Hsu: a arte da (re)descoberta

Filho de imigrantes taiwaneses, criado na Califórnia e carioca, o artista retoma o caminho da arte em meio a (re)descoberta de sua terra natal - em pleno Saara, dá para imaginar? Então, se liga!!!

Com trabalhos tão ricos e curiosos quanto sua própria história de vida, o “carioca” Wilson Hsu vive um momento de novo entusiasmo dentro de sua trajetória artística, motivação que, ao contrário do que imaginava até então, só veio à tona em sua terra natal - na loja de flores de plástico de seus pais no Saara, sendo mais específico. Filho de imigrantes taiwaneses que se conheceram no Brasil, em São Paulo, Wilson nasceu no Rio e, pouco tempo depois, acabou deixando a cidade sem descobrir suas maravilhas para viver com sua família na Califórnia, onde foi criado e viveu até aos 18 anos. Fascinado desde pequeno pelas linhas e formas vindas dos desenhos animados e dos livros infantis, base da edução de grande parte das crianças americanas, Hsu decidiu aprimorar seus estudos em arte, mas, para isso, teria que se afastar novamente da cidade em que nasceu. E assim foi... “Nesse período, meus pais decidiram voltar ao Rio, e eu finalmente pude conhecer a cidade onde nasci. Foi um grande choque cultural. Mas, depois de um ano e meio aqui, resolvi voltar mesmo sozinho para L.A. com a intenção de fazer o que realmente gostava: estudar arte. E foi na Otis College of Art and Design que aprendi grande parte do que sei”, afirma o artista ciente de que tudo possui seu tempo (é agora).

Após dez anos longe de casa, em 2008, quando a crise americana começou a quebrar muitos negócios em diversas áreas, Hsu resolveu voltar ao Rio para ter mais uma chance de conhecer a cidade que nasceu e, agora, também ver o que ela poderia lhe oferecer. “Cansado e um pouco frustrado, resolvi tirar férias sem período determinado para voltar a trabalhar com arte. E foi na loja de flores de plástico dos meus pais no Saara, no centro do Rio, que fui sendo submerso em cores, texturas e formas, tanto das coisas e como das próprias pessoas. Eu estava de férias, mas meus olhos não”, aponta o artista, que reconhece que, antes de voltar, jamais poderia dizer que o Rio havia o inspirado de alguma forma. “Apesar de ter nascido aqui, faltava contato e vivencia.  Parte do meu trabalho tem por base cenas misteriosas de montanhas geladas, desertos, fundo de mar e robôs que cospem espermas voadores. Tanto do lado natural quanto do artificial, era um mundo completamente diferente do que eu encontrei no Rio, onde as pessoas em geral costumam ser muito receptivas e abertas, e a natureza se mistura facilmente à cidade”, completa Hsu, que, por sinal, ainda está se familiarizando com o idioma português e com a estereotipada malandragem do carioca.

Embora ainda não tenha encontrado uma oportunidade de expor seus trabalhos em terras cariocas, o artista continua dedicado a criar e, inclusive, explorar novos modelos - alguns mais próximos às novas exigências do mercado, ou seja, mais comercializáveis. “Estou voltando pouco a pouco a me dedicar à arte e também experimentando outras maneiras de trabalhar com ela. Sempre procurei usar o básico de recursos digitais. Meus desenhos são chapados, com cores muito vivas e misturas um tanto quanto inusitadas. A profundidade geralmente vem da colagem que faço com o papel impresso, sendo que a madeira é o meu suporte, onde sobreponho diversas partes de uma paisagem e destaco em acrílica o que acho necessário dentro de uma determinada cena. Nunca gostei de um trabalho 100% digital e, talvez por isso, procuro usar a colagem e a tinta para destacar, assim como para envelhecer a tela”, detalha Hsu. No entanto, diante desta nova fase, o artista se mostra muito mais aberto ao experimentalismo, enquanto suas obras, que já costumavam chamar atenção, passam a ganhar mais espaço e pessoas. “Tenho um projeto agora que, por ser mais digital, poderá ser impresso em camisetas, caderninhos e postais. A ideia é chegar mais perto das pessoas, tirando esse status de ‘coisa para não ser tocada’ que a arte muitas vezes possui”, finaliza.

Alguns desses trabalhos podem serem vistos na Wilson Hsu Art, sua página recém-criada no Facebook. Confira e curta!

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Festival leva Nova Música a Laura Alvim

Com uma série de shows distribuída ao longo de três semanas neste mês de julho, sempre às terças e quartas-feiras, o Festival Nova Música, que começa já neste dia 09, tomará o teatro da Casa de Cultura Laura Alvim (Av. Vieira Souto, 176. Arpoador) para apresentar ao público um verdadeiro panorama do cenário musical independente carioca, com músicos e bandas que já dão o que falar, mas longe dos ouvidos do chamado grande público. Reunindo 16 atrações escolhidas a dedo e, o melhor, sem se limitar a um único gênero, o festival realiza sua primeira edição com uma aposta feliz o bastante para seguir firme na resistência: perfis variados, diversidade de ritmos e qualidade sonora.

Além de dar oportunidade aos talentos locais se apresentarem com uma estrutura adequada e atrair pessoas interessadas em desbravar novos sons, o festival também se mostra importante por acreditar, promover e fortalecer a cena musical à margem do mercado. Como duas atrações se apresentam a cada dia, os encontros - alguns mais que inusitados - refletem a preocupação da curadoria (Natasha Llerena, Lucas Noleto, Livia Bousquet) em aproveitar bem o mix de bandas composto. Para completar, os shows ainda serão registrados em áudio e vídeo, com três músicas para cada artista, para serem utilizados tanto pelos grupos quanto pelo próprio festival em divulgações posteriores.

“O acesso às novas tecnologias permitiu à nova geração de talentos extravasar esta efervescência criativa de maneira mais democrática. O Festival da Nova Musica vai, a partir de nosso time de curadores, tirar uma foto deste momento da cena do Rio de Janeiro. Acho que todos vão gostar e se divertir”, afirma Felippe Llerena, diretor geral do festival, que, assim como as bandas, também é independente e faz um grande esforço para existir e ser ouvido. Com vocês: Ganeshas (foto), Novíssimos, Julia Vargas, Uzoto, Natasha Llerena, Pietá, La Vereda, Biltre, Alice Passos, Antonio Guerra Sexteto, Luiza Sales & Vinícius Castro, Tais Feijão, Juliano Rabujah, Marcelo Duani, Mohandas e Choque do Magriça. É escolher e chegar para prestigiar.

Veja a programação completa aqui

Casa de Cultura Laura Alvim 
Av. Vieira Souto, 176. Arpoador
Terças e quartas-feiras, das 19h30 às 22h30.
Ingressos: R$20,00 meia R$40,00 inteira

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#80

Urban Arts Rio: enfim, ela chegou!

Assediada pelos artistas e adorada pelos mais moderninhos, a galeria abre as portas de sua filial carioca apresentando a exposição “Rio de Todos os Santos”, do artista plástico João Batista.

Em um momento de efervescência no mercado das artes, no qual as galerias se reinventam  em novos modelos e espaços para captar um público à margem do elitismo em torno do padrão clássico, a Urban Arts - criada em 2009 pelo designer André Diniz - inaugura sua primeira filial em terras cariocas sem deixar de lado o lema que moldou o êxito de suas outras seis casas já abertas: “Arte (de todos) é para todos”, mas tudo com seu preço. Alavancada pelo pioneirismo “no ramo” das artes digitais, a “queridinha” dos mais antenados começou a se destacar por se mostrar aberta aos artistas, principalmente aos mais novos, e extremamente atrativa aos apreciadores, que, segundo a própria marca, também ganham com a oportunidade de dar o “primeiro passo” no mundo dos investimentos em telas. Seguindo a influência das lojinhas pós-museu, as atraentes gift shop, e apostando em obras mais acessíveis - de R$ 50 até R$ 4 mil -,  a U.A conseguiu firmar seu conceito seguindo essa receita e, no Rio, sob a batuta da jornalista e produtora de moda Paula Multedo (a Pola), não teria porque ser diferente. Apesar da certa demora, a unidade Rio, situada na Gávea, abriu suas portas no último 27/06 e pôs fim a ansiedade dos seguidores cariocas, que já podem conhecer o espaço e acompanhar a exposição “Rio de Todos os Santos”, do artista João Batista.

Embora a arte em questão esteja condicionada ao mercado e ao lucro, uma relação que começou a ser questionada ainda nos anos 40 com o termo “Indústria Cultural”, elaborado pelos frankfurtianos Theodor W. Adorno e Max Horkheimer, o bom funcionamento da galeria empresa possui um lado positivo que vai muito além de seu saldo. “Sempre acreditei que o artista, mesmo que ainda não tenha chegado ao estrelado, merecia um espaço organizado com todo o aparato necessário para que pudesse brilhar, e com requintes que vão desde convites impressos até uma assessoria focada em sua divulgação”, aponta Pola, que ressalta que sua relação com o proprietário da matriz também á pautada pela preocupação com os artistas: "Nosso contato é diário para justamente  melhor atender os clientes e artistas. Um dos nosso maiores objetivos como marca é colocar  em pratica  a ideia inicial de que as  exposições deverão rodar  pelos demais estados do nosso país, dando oportunidade dos artistas vislumbrarem esse ‘tour’ quase em tempo record”. Ou seja, se a arte possui um preço e o mercado se mostra favorável, o modelo busca potenciar os lucros da galeria para que todos possam se beneficiar dessa condição, um fato justifica a condição da arte como mercadoria, mas sem deixar de os artistas de lado, já que os mesmos, ao contribuir com o sucesso da marca, também se valorizam. No final, todos saem felizes da ‘loja’.

Filha de artista plástica e envolvida com artes desde pequenina, Pola Multedo,  que diz respirar arte em tudo que passa por ela, mas ressalta que a "conta sempre tem que fechar", se porta como uma segura empreendedora ao falar de seu novo negócio.  "Arte é para todos que amam e apreciam coisas belas, portanto por que não juntar a fome com a vontade de comer? Novos artistas entrando para ‘a cena’ e novos compradores felizes em embelezar suas casas com telas assinadas”, declara Pola, que também se mostra segura ao justificar a escolha da Gávea como residência: "O bairro sempre foi reduto de artistas e jovens bacanas.  Ser em frente a Puc e colado ao Baixo Gávea foi definitivamente o que me fez não ter a menor duvida que tínhamos achado o spot!". Além de se destacar pelo sucesso em torno de seu conceito, a Urban Arts também se diferencia por suas exposições, tendo em vista  que as mesmas não se resumem apenas a telas nas paredes. "Nossas exposições sempre buscam sair do obvio, queremos criar atmosferas. O processo criativo flui facilmente, o trabalhoso é por em pratica tantas ideias que brotam de um brain storm com os artistas e suas ideias mirabolantes, como, por exemplo, explodir canhões com bolhas de sabão" , brinca a proprietária. "Buscamos um ‘tema’ em conjunto com o artista e trabalhamos firme em cima dele criando um ‘mundinho’ capaz de passar das ‘telas na parede’”, completa.

"Quando comecei a procurar um artista para fazer a abertura da Urban Arts Rio de Janeiro alguns nomes me vieram a cabeça. Algumas pessoas me falaram muito do Joao Paulo e, em um bate papo em que ele me mostrou seus trabalhos, curti a ideia de seus personagens serem caricaturalmente cariocas, e em maioria nordestinos. Vislumbrei um tema ‘forte’ e bacana que eu poderia me aprofundar que foi sua facilidade e adoração em pintar Santos", aponta Pola, que também assume a curadoria das exposições. Com boas recomendações, um trabalho bem original e características favoráveis, João Batista apareceu com todos os atributos necessários para inugurar a U.A no Rio, mas ainda havia algo que seria determinante para sua escolha: "Quando ele me contou de sua característica inusitada, que é o  fato de ser daltônico, e que isso refletia em seus trabalhos - o que resulta em peças altamente coloridas e alegres, sempre com a mesma combinação de cores -, eu não tive duvidas", revela a proprietária. Aliás, segundo Pola, as artes originais, mesmo que a preços um pouco mais elevados que os prints, canecas e moleskines, não são preços que ‘assustam’ ou deixam o comprador desconfortável em perguntar o valor da arte. No mais, se não quiser coçar os bolsos, a ideia é chegar para conhecer a casa e, de quebra, ver de perto o que o João anda aprontando. Está aberta!

Urban Arts Rio
Rua Marquês de São Vicente, 188. Gávea.

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Mostra foca relação entre Beatles e cinema

The Beatles em "Yellow Submarine"

A relação entre Beatles e cinema nunca foi difícil de ser estabelecida, tendo em vista que o quarteto de Liverpool, além da fama alcançada em cima dos palcos, também estrelou cinco filmes no início de sua carreira: “Os Reis do Iê Iê Iê”(1964) e “Help!” (1965), de Richard Lester, assim como o especial para TV “Magical Mystery Tour” (1967), a animação psicodélica “Submarino Amarelo” (1968) e o documentário “Let It Be”, lançado em 1970.  Partindo deste princípio e prestando uma homenagem aos 50 anos do lançamento do primeiro disco da banda, “Please Please Me” (1963), a mostra 50 Anos de Beatles: Uma História de Cinema, que foi inaugurada na última terça-feira (04/06), na Caixa Cultural, apresentará 12 filmes beatolado ao público carioca até o próximo domingo (9), sendo sete de ficção e cinco documentários.

Em paralelo à seleção de filmes, que possuí a preocupação de ilustrar a carreira do quarteto, sua transformação musical ao longo dos anos e, é claro, a febre da beatlemania, a mostra apresentará uma inusitada palestra ministrada pelo ator e diretor Fernando Ceylão, a “Beatles Através do Cinema – 5 Décadas de Som e Imagem”, que possui entrada gratuita e ocorre nesta quinta-feira (6), às 19h30.  Além de alguns dos filmes citados, como os dois clássicos dirigidos Richard Lester, a seleção de filmes incluirá outros longas relacionado com os Beatles, caso de “What's Happening! The Beatles in the U.S.A” (1964), “Estados Unidos x John Lennon” (2006), “Across the Universe” (2006), “O Garoto de Liverpool” (2009),  “Lennon NYC” (2010) e, inclusive, “George Harrison: Living in the Material World” (2011).

Cena de "George Harrison - Living in the Material World"

Destaque dentro da mostra, o documentário “Estados Unidos x Jonh Lennon”, de David Leaf e John Sheinfeld e que será exibido na sexta-feira (7), foca o lado ativista do beatle entre os anos de 1966 e 1976, quando o então presidente Richard Nixon comandava a Guerra do Vietnã e, consequentemente,  enfrentava uma grande rejeição no meio artístico. Nesta época, Lennon vivia nos Estados Unidos e era uma das vozes ativa contra a política americana, assim como sua musa Yoko Ono e outros ativistas, como Bobby Seale, líder dos Panteras Negras. Deixando um pouco de lado a trilha sonora, que dispensa comentários, o filme se mostra interessante por esmiuçar o posicionamento da banda e de seus integrantes em meio aquele conturbado momento. Sendo beatlemaníaco ou não, a mostra vale o ingresso e, se possível, o retorno.

Os ingressos custam de R$ 2 (meia-entrada) a R$ 4, com exceção de “O Garoto de Liverpool” e “What's happening! The Beatles in USA”, que terão entrada gratuita.

Quarta-feira (5/6)
16h – Imagine – John Lennon, de Andrew Solt (EUA,1988, 100 min, 14 anos)
18h – Os Cinco Rapazes de Liverpool, de Iain Softley (Alemanha/Inglaterra,1994, 100 min, 14 anos)

Quinta-feira (6/6)
16h – Febre de Juventude, de Robert Zemeckis (Inglaterra, 1978, 104 min, 12 anos)
18h – What's happening! The Beatles in USA, de Albert Maysles e David Maysles (EUA, 1964, 81 min, 12 anos)
19h30 – Palestra: “Beatles através do cinema – 5 décadas de som e imagem” – Palestrante: Fernando Ceylão (ator, autor, diretor e beatlemaníaco)

Sexta-feira (7/6)
16h – Estados Unidos X Lennon, de David Leaf e John Sheinfeld (EUA, 2006, 99 min, 14 anos)
18h – Capítulo 27, de Jarrett Schaeffer (EUA, 2008, 84 min, ficção, 16 anos)

Sábado (8/6)
14h – Help!, de Richard Lester (Inglaterra,1965, 90 min, livre)
16h – Lennon NYC, de Michael Epstein (EUA, 2010, 114 min, 12 anos)

Domingo (9/6)
14h – George Harrison: Living in the Material World, de Martin Scorcese (EUA, 2011, 208 min, 14 anos). Filme exibido em duas partes, com intervalo de 10 minutos
18h – Across the Universe, de Julie Teymor (EUA, 2006, 133 min, 10 anos)

Caixa Cultural Rio de Janeiro – Cinema 1.
Av. Almirante Barroso, 25. Centro (Metrô: Estação Carioca)
Bilheteria: de terça-feira a domingo, das 10h às 20h
Lotação: 78 lugares (mais 3 para cadeirantes)
www.caixa.gov.br/caixacultural

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